Comme le titre le dis, je vais vous présenter les étapes de la création d’une animation 3D du début à la fin. Notez que chacun à sa propre façon de faire, je ne prétend donc pas avoir la science infuse dans ce domaine. Il s’agit juste de montrer ma façon de faire et aider les personnes qui veulent apprendre.
Note : Il s’agit d’une présentation brève sur le sujet. celui-ci étant trop vaste et complexe pour être abordé en un seul article. De ce fait, chaque section verra un ou plusieurs articles lui étant consacré pour bien que vous compreniez.
Préparation
La préparation est l’une des étapes les plus importante du processus. Elles permet de mesurer l’étendu des “travaux” et de voir ce que l’on aura besoin par la suite. Elle comprend plusieurs choses. On peut les faire des un ordre différent mais la plupart du temps je le fais dans cet ordre :
Le son
Je recherche une bande sonore (voix) intéressante ou je la compose en prenant des éléments de plusieurs endroit différents. Il ne faut pas qu’il y ai de parasite dans l’arrière-plan sonore ou vraiment au minimum !
Une fois le son trouvé (ou créé), je l’écoute en boucle pour m’imprégner des sentiments et émotions des personnages et décide de “jouer” un rôle en prenant leurs dialogues et intonations.
Comme un acteur, je joue un rôle. On appel ça de l’acting ! En faisant ça, sans me réduire à une idée particulière, je m’ouvre donc à plus de possibilités.
Note : Libre à vous de ne pas prendre de son et de le faire en muet ou avec une musique uniquement.
L’idée
En fermant les yeux et en écourant la bande son, ca me permet donc d’avoir plus d’idée dans lequel ce son pourrait prendre une place. En effet, le fait est que si on regarde un l’image dont provient la bande sonore, on serai tenter de reprendre certains aspect de l’image. Et ce n’est pas une bonne idée. A quoi bon refaire en animation ceux qui existe déjà en filmé ? Une fois l’idée en tête, place à la suite !
Pitch
A ce niveau, j’écris le pitch de l’histoire. Le pitch est tout simplement une synthèse de l’histoire en une phrase accrocheuse voir un très court paragraphe. Cela permet d’en saisir l’idée sans s’égarer dans des détails.
En français, Pitch est souvent utilisé pour désigner un résumé ou un synopsys (court résumé de l’histoire).
Les amateurs d’expression anglaise font la différence entre « Log Line Pitch » qui se rapproche du slogan ainsi que le « one line pitch » qui est la ligne directrice ou le résumé du récit.
En ce qui me concerne, je fais un pitch ET un synopsis car je considère leurs usage comme différent.
Exemple : Une petite fille décide de partir à la recherche de son oncle disparu depuis plusieurs mois…
Synopsis
Maintenant, passons à l’écriture d’un synopsis. Il s’agit tout simplement du résumé de l’histoire de façon succincte.
Exemple : Une petite fille décide de partir à la recherche de son oncle disparu lui-même parti à la recherche d’un fabuleux trésor. Celle-ci rencontrera de grand dangers tel que des dragons, des bandits mais finira par trouver un petit garçon pour l’aider lequel finira par devenir son meilleur et éternel ami.
Acting
une fois avec une bonne idée pour la scène et un pitch + synopsis, je joue les personnages devant la caméra pour enregistrer la moindre réactions volontaire ou involontaire dans ma façon de bouger ou parler.
Involontaire parce que je pars du principe que ce qu’il y a, la plupart du temps, d’intéressant chez une personne quand elle bouge, elle ne fait de manière involontaire. Cela peut être une mimique, un tic (langage ou gestuel), un réflexe, etc…
J’obtiens donc plusieurs vidéo qui me serviront de référence pour mon animation. Vous n’êtes pas obligé de créer vos vidéo de référence, vous pouvez aussi bien les trouver ailleurs (film, série tv, vidéo youtube, etc…). On est à l’ère de la vidéo partout et a tout moment… Vous n’aurez aucun mal à trouver.
Croquis
On ne peut y échapper. Mais rassurez vous, même avec un niveau moindre en dessin, ce n’est pas important, le tout c’est de montrer ce que vous voulez faire. Dessiner les poses clé de votre animation. Qu’est ce qu’une pose clé ? vous le saurez dans un autre article !
Après, vous pouvez bien sûr faire plus de croquis que ça pour mieux détailler votre animation. Comme l’animation de la bouche, les différentes poses que peut prendre votre personnages, ses différentes expressions. Mais là c’est déjà plus dur et cela demande plus de temps.
Préparation de la scènes et des personnages
Avec l’idée de la scène et comment tout va se dérouler, je prépare désormais mes fichiers maya (scènes, accessoires et personnages) en vue d’animer tout ça.
Étapes de l’Animation
1. Blocking
Cette étape est, tout simplement, la création dans le logiciel 3D des poses clé de votre ou vos personnages ou tous ce que vous devez animer ! A cette étape, le timing (la gestion du temps) n’a que peut d’importance. Je le gère généralement à partir de l’étape suivante.
Le blocking est l’étape la plus importante. C’est un peu comme les fondations d’une maison. Bâcler cette étape et tout vous explosera au visage par la suite !
2. Blocking+
Dans cette étape, on modifie l’ancien blocking d’après les retours que l’on a eu. Cette pose clé était-elle bonne ? Les arcs était assez marqué ? etc… (vous connaîtrez bientôt ces expressions).
On obtient le blocking final, celui qui nous servira de base pour ajouter le reste.
3. Animation
Nous rentrons enfin dans le vif du sujet, l’animation en elle même. Je ne rentrerai pas dans les détails, ceux-ci sont bien trop nombreux et parfois complexe pour être décris ici.
4. Refining
Ici, nous revoyons l’animation en ajustant celle-ci. Effaçant des erreurs, modifiant certaines étapes d’après le feedback (le retour de ce que les gens nous ont dit) et rendant l’animation plus lisse, moins cassante.
5. Polishing
Lorsque vous arrivez à cette étape, c’est que votre animation a été approuvé et par là, j’entends que aucun changement ne dois plus se faire ! Le timing est parfait, les mouvements aussi, tout est parfaitement cohérent et fonctionnel. C’est dans cet étape que vous regardez image par image si tout est bien en ordre, si les yeux ne bouge pas, ne serai-ce que d’un millimètre pendant une image ! Il faut vérifier aussi que les arcs formé par les mouvements sont bien des arcs, etc…
6. Ajouter les derniers 10%
La, il faut que l’on ajoute les 10% supplémentaire. Après le polishing, votre animation est théoriquement fini. Elle peut être mise dans un film, un jeu ou ailleurs. Mais cet étape des 10% permet de rendre l’animation encore plus crédible et plus “humaine”. Il s’agit d’ajouter de détails microscopique que l’on ne verrai sans doute pas mais que l’on “ressent” lorsque l’on regarde l’animation. Cela peut être un tas de chose.
Par exemple :
- Un très léger frisson si notre personnage a un peu froid.
- De très léger mouvements de doigts pour montrer le stress
etc…
Tout dépend de votre animation et de ce que vous voulez transmettre.
Conclusion
Voila, c’était un tout petit aperçu des étapes de la création d’une animation. Je ne voulais pas encombrer l’article et le rendre trop long donc je rentrerai dans plus de détails dans de prochains articles