De plus, les termes du lexique sont automatiquement souligné dans les posts et page du site !

Note : Il s’agit d’une présentation brève sur le sujet. celui-ci étant trop vaste et complexe pour être abordé en un seul article. De ce fait, chaque section verra un ou plusieurs articles lui étant consacré pour bien que vous compreniez.

Préparation

La préparation est l’une des étapes les plus importante du processus. Elles permet de mesurer l’étendu des “travaux” et de voir ce que l’on aura besoin par la suite. Elle comprend plusieurs choses. On peut les faire des un ordre différent mais la plupart du temps je le fais dans cet ordre :

Le son

Je recherche une bande sonore (voix) intéressante ou je la compose en prenant des éléments de plusieurs endroit différents. Il ne faut pas qu’il y ai de parasite dans l’arrière-plan sonore ou vraiment au minimum !

Une fois le son trouvé (ou créé), je l’écoute en boucle pour m’imprégner des sentiments et émotions des personnages et décide de “jouer” un rôle en prenant leurs dialogues et intonations.

Comme un acteur, je joue un rôle. On appel ça de l’acting ! En faisant ça, sans me réduire à une idée particulière, je m’ouvre donc à plus de possibilités.

Note : Libre à vous de ne pas prendre de son et de le faire en muet ou avec une musique uniquement.

L’idée

En fermant les yeux et en écourant la bande son, ca me permet donc d’avoir plus d’idée dans lequel ce son pourrait prendre une place. En effet, le fait est que si on regarde un l’image dont provient la bande sonore, on serai tenter de reprendre certains aspect de l’image. Et ce n’est pas une bonne idée. A quoi bon refaire en animation ceux  qui existe déjà en filmé ? Une fois l’idée en tête, place à la suite !

Pitch

A ce niveau, j’écris le pitch de l’histoire. Le pitch est tout simplement une synthèse de l’histoire en une phrase accrocheuse voir un très court paragraphe. Cela permet d’en saisir l’idée sans s’égarer dans des détails.
En français, Pitch est souvent utilisé pour désigner un résumé ou un synopsys (court résumé de l’histoire).
Les amateurs d’expression anglaise font la différence entre « Log Line Pitch » qui se rapproche du slogan ainsi que le « one line pitch » qui est la ligne directrice ou le résumé du récit.
En ce qui me concerne, je fais un pitch ET un synopsis car je considère leurs usage comme différent.

Exemple : Une petite fille décide de partir à la recherche de son oncle disparu depuis plusieurs mois…

Synopsis

Maintenant, passons à l’écriture d’un synopsis. Il s’agit tout simplement du résumé de l’histoire de façon succincte.

Exemple : Une petite fille décide de partir à la recherche de son oncle disparu lui-même parti à la recherche d’un fabuleux trésor. Celle-ci rencontrera de grand dangers tel que des dragons, des bandits mais finira par trouver un petit garçon pour l’aider lequel finira par devenir son meilleur et éternel ami.

Acting

une fois avec une bonne idée pour la scène et un pitch + synopsis, je joue les personnages devant la caméra pour enregistrer la moindre réactions volontaire ou involontaire dans ma façon de bouger ou parler.

Involontaire parce que je pars du principe que ce qu’il y a, la plupart du temps, d’intéressant chez une personne quand elle bouge, elle ne fait de manière involontaire. Cela peut être une mimique, un tic (langage ou gestuel), un réflexe, etc…

J’obtiens donc plusieurs vidéo qui me serviront de référence pour mon animation. Vous n’êtes pas obligé de créer vos vidéo de référence, vous pouvez aussi bien les trouver ailleurs (film, série tv, vidéo youtube, etc…). On est à l’ère de la vidéo partout et a tout moment… Vous n’aurez aucun mal à trouver.

Croquis

On ne peut y échapper. Mais rassurez vous, même avec un niveau moindre en dessin, ce n’est pas important, le tout c’est de montrer ce que vous voulez faire. Dessiner les poses clé de votre animation. Qu’est ce qu’une pose clé ? vous le saurez dans un autre article !

Après, vous pouvez bien sûr faire plus de croquis que ça pour mieux détailler votre animation. Comme l’animation de la bouche, les différentes poses que peut prendre votre personnages, ses différentes expressions. Mais là c’est déjà plus dur et cela demande plus de temps.

Préparation de la scènes et des personnages

Avec l’idée de la scène et comment tout va se dérouler, je prépare désormais mes fichiers maya (scènes, accessoires et personnages) en vue d’animer tout ça.

Étapes de l’Animation

1. Blocking

Cette étape est, tout simplement, la création dans le logiciel 3D des poses clé de votre ou vos personnages ou tous ce que vous devez animer ! A cette étape, le timing (la gestion du temps) n’a que peut d’importance. Je le gère généralement à partir de l’étape suivante.

Le blocking est l’étape la plus importante. C’est un peu comme les fondations d’une maison. Bâcler cette étape et tout vous explosera au visage par la suite !

2. Blocking+

Dans cette étape, on modifie l’ancien blocking d’après les retours que l’on a eu. Cette pose clé était-elle bonne ? Les arcs était assez marqué ? etc… (vous connaîtrez bientôt ces expressions).

On obtient le blocking final, celui qui nous servira de base pour ajouter le reste.

3. Animation

Nous rentrons enfin dans le vif du sujet, l’animation en elle même. Je ne rentrerai pas dans les détails, ceux-ci sont bien trop nombreux et parfois complexe pour être décris ici.

4. Refining

Ici, nous revoyons l’animation en ajustant celle-ci. Effaçant des erreurs, modifiant certaines étapes d’après le feedback (le retour de ce que les gens nous ont dit) et rendant l’animation plus lisse, moins cassante.

5. Polishing

Lorsque vous arrivez à cette étape, c’est que votre animation a été approuvé et par là, j’entends que aucun changement ne dois plus se faire ! Le timing est parfait, les mouvements aussi, tout est parfaitement cohérent et fonctionnel. C’est dans cet étape que vous regardez image par image si tout est bien en ordre, si les yeux ne bouge pas, ne serai-ce que d’un millimètre pendant une image ! Il faut vérifier aussi que les arcs formé par les mouvements sont bien des arcs, etc…

6. Ajouter les derniers 10%

La, il faut que l’on ajoute les 10% supplémentaire. Après le polishing, votre animation est théoriquement fini. Elle peut être mise dans un film, un jeu ou ailleurs. Mais cet étape des 10% permet de rendre l’animation encore plus crédible et plus “humaine”. Il s’agit d’ajouter de détails microscopique que l’on ne verrai sans doute pas mais que l’on “ressent” lorsque l’on regarde l’animation. Cela peut être un tas de chose.

Par exemple :
- Un très léger frisson si notre personnage a un peu froid.
- De très léger mouvements de doigts pour montrer le stress
etc…

Tout dépend de votre animation et de ce que vous voulez transmettre.

Conclusion

Voila, c’était un tout petit aperçu des étapes de la création d’une animation. Je ne voulais pas encombrer l’article et le rendre trop long donc je rentrerai dans plus de détails dans de prochains articles

Une vidéo que j’ai découverte sur Vimeo !

Voici le message que l’auteur à laisser avec la vidéo :

Pendant 3 ans (2008-2011) j’ai fait 12 dessins d’animation chaque jour. Ce qui équivaut à une seconde de film. Je n’avais pas de plans précis quand j’ai fait le premier dessin. Puis, les jours suivant, je prenais les 3 derniers dessins de la veille et continuais à animer. J’ai utilisé un stylo non-effaçable et je dessinais au verso de feuilles A4 déjà utilisées.

Faire ce genre de chose vous donne généralement plein d’idées !

Profil Vimeo de l’utilisateur : http://vimeo.com/user2921758

Une problématique intéressante. Deux balles qui rebondissent et qui doivent interagir ensemble !
Ma deuxième vidéo chez Animation Mentor.

Ma toute première animation 3D. Enfin l’une des toutes première !

Pour vous, cela vous semble peut-être bizarre. Mais en tant qu’animateur, que ce soit 2D ou 3D, il nous faut des références !

Les Références

Qu’est ce qu’une référence ?
C’est simplement un modèle, quelque chose de physique ou de virtuelle qui nous aide dans la conception d’un plan d’animation.
Cela peut-être la vidéo d’une personne qui fait des mouvements intéressant ou l’image d’une expression facial qui originale.

La référence aide à voir et à comprendre certaines partie des animations en nous donnant une base sur laquelle s’appuyer. Et tous les animateurs, aussi douté soit-ils, l’utilisent !

Par exemple, pour le dessin animé Alice aux pays des merveilles fait par les studios Disney. Des acteurs ont été engagés pour jouer les scènes pendant que les dessinateurs faisaient des croquis de leurs poses et de leurs mouvements. Ceux-ci ont servi de références lors de la création à proprement dites du film.

Exercice

Cette fois, je vous demanderez que de faire une chose :

Sortez. Partez sous le soleil (si il y en a c’est mieux) dans un parc, au ciné, peut importe l’endroit mais sortez et observez !
Observez ceux qui vous entoure et n’oubliez pas aussi de vous observez.
Vous pourriez apprendre des choses très intéressantes mais pour ce point… je vous donne rendez-vous dans d’autres articles !

Au fait, n’oubliez pas de revenir pour partager les histoires intéressantes qui vous seront arrivé dans les commentaires.

A très bientôt.

Mais pourquoi nous parler de 9 vieux monsieurs ?

Sacrilège ! Ce ne sont pas de simple “vieux monsieur”. Il s’agit des neuf personnes ayant inventé l’animation et ses règles qui régissent toujours le monde de l’animation.

-> Pour voir les règles en question et un cours résumé de chaque règles, je vous invite à lire cet article : Les 12 principes fondamentaux en Animation

Les Nine Old Men sont 9 personnes ayant rejoint Disney relativement vers ses début et ayant contribué à sa renommé actuelle en inventant les règles fondamentales de l’animation.
Ils ont travaillé sur beaucoup de films et court-métrages de Disney.

Je vois… et qui sont-ils ?

Les Clark (17 novembre 1907 – 12 septembre 1979) : Il est le premier des Nine Old Men à entrer chez Disney en 1927. Sa spécialité était l’animation du personnage Mickey Mouse. Il était d’ailleurs le premier des Nine Old Men à travailler sur ce personnage depuis sa création avec Ub Iwerks (autre Grand Animateur de Disney). Les créa beaucoup de plan d’animations au court des années et continua d’animer jusqu’à La belle et le Clochard. Après cela, il passa à la direction et créa plein de “featurettes” et de court métrage.

Eric Larson (3 Septembre 1905 – 25 octobre 1988) : Chez Disney depuis 1933, il était l’un des meilleur animateur du studio. Il a animé des personnes notable tel que Peg dans La Belle et le Clochard ainsi que les Vautours dans Le Livre de la Jungle. Mais aussi, Peter Pan volant de Londres jusqu’au pays imaginaire et bien d’autres… Étant donné sa grande capacité à former de nouveau talents, il s’est donc vu chargé uniquement de ça à partir des années 70. La plupart des meilleurs talents actuels chez Disney ont été formé par Eric Larson dans les années 70 et 80.

Franklin dit Frank Thomas (5 septembre 1912 – 8 septembre 2004) : Rejoint Disney en 1934. Il est l’un des auteur (avec Ollie Johnston) de “The illusion of Life” considéré par beaucoup comme la bible de l’animation. Son travail d’animateur inclus La belle-mère dans Cendrillon, La Reine de Cœur dans Alice aux pays des merveilles et le Capitaine Crochet dans Peter Pan.

Ward Walrath Kimball (4 mars 1914 – 5 juillet 2002) : Joint Disney en 1934. Il a animé entre autre Lucifer, Jaq et Gus dans Cendrillon. Le Chaperlier Toqué et le Chat de Cheshire dans Alice aux pays des merveilles. Son travail était plus “extravagant”, “fou” que ceux des autres animateurs du studio.

Milton Erwin dit Milt Kahl (22 mars 1909 – 19 avril 1987) : A commencé chez Disney en 1934 directement sur Blanche-Neige. Son travail inclus des “méchants” des films Disney tel que Shere Kahn dans Le Livre de la Jungle, Edgar le majordome dans Les Aristochats, le Sheriff de Nottingham dans Robin des bois et Madame Medusa dans Les Aventures de Bernard et Bianca.

Oliver Martin dit Ollie Johnston Jr. (31 octobre 1912 – 14 avril 2008) : A rejoint Disney en 1935 sur Blanche Neige. Il est le co-auteur de “The Illusion of Life” avec Frank Thomas. Il a animé entre autres Monsieur Mouche dans Peter Pan, Les belles-sœurs dans Cendrillon et Le prince Jean dans Robin des Bois. il était le dernier des Nine Old Men.

Wolfgang dit Woolie Reitherman (26 juin 1909 – 22 mai 1985) : Venu à Disney en 1933 comme Animateur et Réalisateur. Il a réalisé et tous les films d’animations de Disney après la mort de Walt Disney et jusqu’à sa retraite. Certains des ces animations inclus Le crocodile dans Peter Pan, Le dragon dans La belle au bois Dormant et le Rat dans La Belle et le Clochard.

John Lounsbery (9 mars 1911 – 13 février 1976) : Chez Disney depuis 1935. il a travaillé sous la direction de Norm “Fergy” Ferguson et devint rapidement un des meilleurs animateur du studio. Affectueusement surnommé “Louns” par ses collègues animateurs, il était extrêmement doué pour faire des sketches (croquis) d’animations qui ont inspiré bon nombre d’animateurs et ceux même des années après. Il a animé entre autre les Eléphants du Livre de la Jungle, le Roi dans La Belle au bois dormant, George Darling dans Peter Pan et bien d’autres. Dans les année 70, il fut promu réalisateur et co-réalisa un film sur Winnie l’ourson et son dernier film : Les Aventures de Bernard et Bianca.

Marc Fraser Davis (30 mars 1913 – 12 janvier 2000) : Chez Disney depuis 1935 sur Blanche-Neige. Il a travaillé plus tard sur Bambi en se chargent du développement et de l’animation de Bambi et de PanPan. Il a aussi animé Maléfique dans La Belle au bois dormant et sur Cruella d’enfer dans Les 101 Dalmatiens. Il a aussi été le chargé de créer le design des attractions Pirates des Caraïbes et La maison hanté à Disneyland.

Les 9 sages de Disney (The Nine Old Men)

Conclusion

Voila, vous en savez désormais plus sur ces 9 hommes qui ont changé la vision du monde sur l’animation et donc sur les dessins animé en général. A l’heure où j’écris ces lignes, ils ne sont plus de ce monde malheureusement mais ils sont laissé une trace indélébile de leurs passage.

Celle d’enfants, qui comme vous et moi, ont été bercé depuis bien des années par les films et petits dessins animés du studio Disney. D’ailleurs je vous invite a visiter le musée Disney à San Francisco, il est magnifique !

Au fait, mon Disney préféré est Alice aux pays des merveilles.
Et vous, quelle est votre film Disney préféré ? Dites le dans les commentaires !

Image d’article @ Beverly & Pack

Un peu d’histoire…

Née sous le nom de Ubbe Ert Iwwerk est née le 24 mars 1901 à Kensas City. Mais venons en directement au fait ! Sa véritable aventure commence en 1919, alors âgé de 18 ans, lorsqu’il rencontre Walt Disney alors qu’il travaillait pour la société Pesmen-Rubin Commercial Art Studio.

Ils fondèrent la société Iwerks-Disney Studio mais celle-ci fit faillite un mois plus tard. Néanmoins le duo est engagé par la “Kensas City Film Ad Compagny” et travail sur différentes animation publicitaire primitives pour les cinémas locaux.

C’est en 1922 que Disney fonde un nouveau studio : Laugh-O-Grams Inc. qui produit des court métrage basé sur des contes de fée populaires et histoires pour enfants. Et Iwerks y est au poste de chef animateur. Mais l’année suivante, en juillet 1923, le studio fait faillite. Disney part pour la Californie et abandonne tout le monde, néanmoins dès octobre 1923, il fera venir la plupart de ses collaborateur dont Iwerks lors qu’un contrat sera signé pour les Alice Comedies (dont je parlerai dans un prochain article culture).

L’amitié ça va, ça vient…

Iwerks travailla sur de nombreux projets pour Walt Disney dont Oswalt, la lapin chanceux (Oswald, the lucky rabbit). Il est alors payé 40$ la semaine ce qui est, soit dit en passant, plus que Walt lui même !

Problème, Walt se rend compte qu’il n’a jamais possédé les droits de cette série au détriment de son distributeur et la majorité de son équipe le quitte aussi pour rejoindre le distributeur en question.

Iwerks reste néanmoins avec Walt, et en voulant se refaire dans le secteur de l’animation, il créa Mickey Mouse ! Iwerks aurai même selon certain dire faire le premier dessin animé de Mickey Mouse (Plane Crazy) en solo à un rythme effréné de 700 dessins par jours au lieu de 80/100 par semaines pour les professionnels de l’époque.

Mickey Mouse était née !

Celui ci sera dérivé en bande dessinée, posters par Iwerks lui-même.

Celui-ci, après bien des année d’amitié avec Walt et après un différent, décida de partir Partir fondé son propre studio. Walt exaspérait Iwerks et celui-ci resté toujours dans son ombre de part son caractère effacé et réservé. Il déposa donc sa lettre de démission le 21 janvier 1930.

Rêve et désillusions

Iwerks ouvrit donc son studio peu après dans la même année. L’animation chez Disney en souffrit pendant un temps mais cela reprit de plus belle après l’embauche de nouveau animateurs.

Iwerks créa un personnage proche de Mickey et d’Oswald pour son studio. Cela se rapproche tellement de Disney tant dans le character design que dans les décors que finalement, il n’arrivent pas a battre Disney de cette manière.

Son studio fini par couler et il partira travailler pour Colombia Pictures avant de revenir en 1940 chez Disney ou il développera principalement des effets spéciaux visuels.

Conclusion

Ce fut un article assez court au vu du personnage sur lequel je vous ai parlé. D’autres articles verront le jour mais en attendant, comme conclusion je dirai qu’il nous a laissé plus qu’un héritage, Il nous a laissé une œuvre devenue légendaire dans le monde de l’animation et aussi au près du public. J’ai nommé Mickey Mouse !

Et si vous n’avez pas vu les premières œuvres de Mickey, je vous conseil fortement de réparer ce sacrilège !!

A très bientôt!

Si vous ne comprenez pas, rassurez vous, chaque principe sera revu un par un dans des articles futur avec exemple et exercices en prime !

Voici ces principes :

1. Squash & Stretch

Il s’agit de loin d’un des plus important. Du verbe anglais Squash (qui signifie : écraser, aplatir, etc…) et Stretch (qui signifie : étirer, tendre), ce principe part du fait que tout objet est plus ou moins malléable et donc que celui-ci peut se déformer quand une force agit sur celui-ci.
Il est important de rappeler que lors de l’utilisation de ce principe dans vos animations, il faudra TOUJOURS maintenir le même volume sinon l’objet aura l’air de s’étendre ou bien de se comprimer.

Exemple :

Un ballon de basket qui rebondit sur le sol est soumit à ce principe.

2. Anticipation

Ce principe coule de source et pourtant, il est souvent oublier. il s’agit de ce que se passe avant une action. Ce principe permet deux choses :
Premièrement, il permet a une animation d’être plus « naturelle » et deuxièmement, il permet à l’audience de savoir que quelque chose se prépare.

Exemple :

Une personne qui tente de frapper quelqu’un recule son poing avant.
Avant de crier, la personne en question prend son souffle pour ne pas être a court lors de son cri.

3. Staging & Composition

La présentation d’une idée pour que celle-ci soit la plus clair et précise possible. Dans les fait, ce principe couvre énormément de champ d’action. Staging en anglais signifie « mise en scène ». Ce principe demande donc une mise en scène clair et précise que se soit dans le placement des personnages dans la scène que le placement des caméras, en passant par les poses que prennent les personnages

4. Straight Ahead Action and Pose to Pose

Il y a deux grandes approches différentes de l’animation. La première est connu sous le nom de Straight Ahead Action et pour ceux qui ne parle pas anglais, Je pourrai le traduire par : Aller toujours droit devant ! (avec le contexte).

L’animateur utilisant Straight Ahead Action, anime toujours en allant de l’avant. Il a en tête la plupart de son plan d’animation et modifie légèrement l’animation au fur et à mesure qu’il avance. Avec le Straight Ahead Action, vous avez de la spontanéité dans l’animation.

L’autre approche est appelé : Pose to Pose. En français : D’une pause à une autre. Dans ce cas, l’animateur planifie ses actions. Il regarde quelles poses il aura besoin pour ce plan, de combien, fait les intervalles puis rentre de plus en plus dans les détails. Avec le Pose to Pose, vous avez de la clarté et de la force dans l’animation.

La plupart des animateurs utilise un peu des deux suivant les plans à animer mais la plupart adopte une de ces deux visions en tant que dominante.
En ce qui me concerne, je suis plus dans la catégorie Pose to Pose mais je me sers aussi parfois du Straight Ahead Action. Cela dépend de la complexité du plan à animer en partie, de mon humeur du moment et bien sur des idées qui me viennent en tête.

5. Follow Through and Overlapping Action

Le principe n°5… un que j’adore tout particulièrement. Spécialement quand je l’étudie. Vous vous êtes déjà assis dans un lieu public et passer plusieurs heures juste à observer les gens qui vous entoure ? je suis sûr que oui. Nous l’avons tous fait et garçon ou fille nous avons tous regarder cette fille sublime marché d’un part léger. Pour des raisons différente bien sur. Les garçons, parce qu’elle était vraiment belle et gracieuse. Les filles, parce que vous auriez donné n’importe quoi pour avoir une chevelure aussi belle que la sienne.

Où je veux en venir ? Tout simplement à ce point-ci. Vous rappelez vous ses cheveux qui volait dans le vent ? Quand, lors de sa marche son corps descendait, ses cheveux, eux, continuait de monter puis commençait leurs descente quelques secondes plus tard. Ce que vous avait observait s’appelle : l’Overlapping (en anglais).

L’Overlapping est le concept que toutes les partie du corps (dans ce cas-ci, humain) ne bouge pas tous en même temps. Vous avez donc remarqué que les cheveux par exemple ont toujours un temps de retard sur les mouvements du corps. C’est normal. Nous ne pouvons pas contrôler nos cheveux nous même mais étant attaché au corps ils en subissent les mouvements.
Et ca d’ailleurs grâce à cela que nous avons pu voir la sublime pub pour l’Oréal « parce que je le vaux bien » et son mouvement de cheveux désormais célèbre. Plus récemment il y a eu la parodie de cette pub dans Shrek 2 si vous voulez un exemple de ce principe en animation.

Outre l’Overlapping et il y a aussi le Follow Through, que l’on pourrait traduire par « continuer, poursuivre ». Lorsque cette belle jeune femme s’est brusquement arrêté, ces cheveux n’en ont pas fait autant. Ils ont continuer sur leurs lancer avant de s’arrêter quelques secondes plus tard. C’est le Follow Through.

Le Follow through est tout simplement la continuité d’une action, généralement de l’action principale.
Pour exemple, prenez une raquette de tennis et aller taper une balle. Essayer de vous arrêter net après avoir toucher la balle avec votre raquette. C’est impossible. En tout cas si vous voulez que cela fasse naturel.

Normalement, lorsque vous taper la balle, vous continuez votre mouvement jusqu’à ce que la force donner dans votre action soit nul. Il lui faut donc le temps à celle-ci de ralentir et de s’arrêter.

C’est aussi très visible avec des vêtements ample ou ouvert qui peuvent voler au vent lors que l’on court par exemple. Tel qu’une chemise qui continue a bouger pour se remettre en place après que l’on se soit arrêté.

6. Slow In and Slow Out

Les objets organiques ont tendance à accélérer et décélérer en entrant et en sortant d’une action. Par exemple lors d’une course ! Vous accélérez au départ et à l’arrivée, vous ralentissez progressivement jusqu’à vous arrêter complétement.

Il y a quelques exceptions à cette règle :

- Elle ne s’applique pas lors de la rencontre d’une force qui stop net l’objet en question ou qui change subitement sa direction.
- Elle ne s’applique généralement pas au objet mécanique tel que des robots par exemple (film Wall-E de Pixar Animation Studio).

7. Arcs

Les arcs ou aussi appelé « courbes » sont un point important de l’animation. Exception faite des objets mécaniques non destiné à bouger comme des animaux de chère et de sang, les arcs régissent les mouvements !

Pourquoi ? Simplement parce que les mouvement des animaux de cette planète sont limité par un squelette au articulation rotatives ! Qui dit rotations dit courbes. Chaque mouvement que nous faisons suit des arcs. Lorsque vous bouger vous tourner vos hanches, bassins, vos épaules, votre tête et votre cou…. etc.
Vous voyez ou je veux en venir. Bien sûr, vous pouvez bouger votre poings d’avant en arrière sans faire de courbes mais si vous continuer votre lancer, vous devrez tourner votre buste pour aller plus loin avec votre poing !

Note : Si vous voulez animer un robot, oubliez les règles des arcs, d’overlapping/follow through et de slow in/slow out.

8. Secondary Action

Ou Action Secondaire en français est tout simplement la seconde action faite lors d’une action principale. Pour faire clair, prenons des exemples. Lorsque vous jouez avec le crayon tout en parlant avec ami. L’action principal est la discussion, la seconde le fait de « jouer » avec le crayon.

L’action secondaire révèle généralement des subtilités émotionnelles ou des pensées cachées. On en fait très souvent, par exemple lorsque l’on est gêné, anxieux, amoureux, perplexe, etc…

Avertissement :

Si l’action secondaire attire l’attention de l’audience au détriment de l’action principale, alors l’action secondaire devient l’action principale. Faites donc attention lorsque vous faite une action secondaire de ne pas attirer trop l’attention de l’audience sauf si vous voulez qu’elle deviennent principale bien entendu.

9. Timing

Ce principe consiste à modifier la vitesse d’une action. Cette vitesse détermine le type, la force et l’intensité d’une action. Le timing permet de montrer différente attitude. C’est ce qui détermine si quelqu’un marche ou court par exemple.

Marcher lentement peut montrer de la dépression alors que rapidement, cela devient de la détermination !

Choisissez bien votre timing lorsque vous animez !

10. Exaggeration

l’Exagération en français permet d’intensifier une émotion ou une action. Malheureusement pour nous, L’animation et ses supports ne communique pas autant d’informations que l’on en obtiendrai dans la vie réel. De ce fait, les animateurs ont décidé d’exagérer les actions et émotions pour mieux faire passer ces informations.
Lorsque vous regardez un film d’animations par exemple, tout vous semble normal. Regardez le maintenant au ralenti et vous pourrez être surpris ! Des images, des poses pour les personnages, etc totalement aberrante et pourtant… lorsque c’est animé, tout marche parfaitement bien !

Notez toutefois que exagérer une action ou une émotion ne signifie pas pour autant qui faille l’augmenter ! Il peut aussi s’agir de la diminuer sensiblement !

Exemple :

Faire en sorte qu’une personne se stop net pour un temps relativement long peut être fait exprès pour montrer une émotion particulière.

11. Solid Drawing

Ce principe s’applique surtout au animateur 2D. Il s’agit tout simplement de savoir bien, voir très bien, dessiner. Pour les animateurs 3D, avoir une petite base peut suffir. Je connais bon nombre d’animateurs 3D qui ne savent pas dessiner et qui travail dans de grand studio tel que Pixar ou Dreamworks et qui savent très bien animer en 3D.

Si bien sur cela vous complexe, rien ne vous empêche de vous inscrire a des cours de dessins !

Ce principe concerne aussi les poses que vous choisissez pour vos personnages ! Évitez la symétrie !!

12. Appeal

Est-ce que la présentation de votre idée est agréable à regarder ? (ou désagréable suivant le message que vous voulez faire passer). Appeal peut être traduit par « charme, intérêt ». Est-ce que vous faite à du charme ? de l’intérêt ?
Est-ce que esthétique générale de votre plan est appliqué comme vous voulez ? (Vérifier la composition, plan de caméra, le design des personnages, des décors, etc…)

Conclusion

Vous connaissez maintenant les 12 principes de l’animation. Ceux-ci sont constamment utiliser lors de l’animation d’un plan. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à les poster dans les commentaires !

A venir :

• Un lexique des termes utilisé en animation !
• Des articles sur chacun de ses principes avec exemple concret et exercices

Pourquoi est-il nécessaire de connaitre l’anglais ?

Parce que l’a majorité des évènements concernant l’animation ont lieu à l’étranger. Et au lieu d’apprendre 38 langues différentes, 95% des gens du milieu se tournent vers l’anglais. Ce qui ne fait qu’une langue à apprendre et ce n’est pas plus mal !

Mais alors… comment apprendre l’anglais sans ce prendre la tête ?

Il y a plusieurs moyens.

I/ Prendre des cours privées.

Ce moyen vous fera progresser assez rapidement néanmoins… il faut la motivation nécessaire et c’est bien là le problème. La plupart d’entre nous ne sommes pas motivé à ce point là et le fait de rester tard pour prendre des cours en plus du travail, de la famille et d’autres choses, nous motive d’autant moins.

C’est pour ça qu’il y a la méthode dite “passion”.

II/ La méthode “Passion”

Je l’appelle comme ça pour la simple et bonne raison que ce n’est pas avec les cours apprit à l’école que vous arriverez à un bon niveau d’anglais. Mon niveau d’anglais quasi bilingue, je l’ai obtenu à un seul endroit : Internet (et bien sur la TV aussi !). Bien sur je fais des fautes de temps à autre mais le principal, c’est que l’on vous comprenne ! Le reste viendra en pratiquant.

En fait c’est la somme de plusieurs facteurs qui fait que j’ai pu aller aussi loin.

1. Il faut aimer l’anglais et vouloir l’apprendre
2. Il faut avoir une passion ou des choses que vous aimez (lire, faire, etc…)

Désormais, lorsque vous irez sur internet pour rechercher des sujets qui vous tienne a cœur, faite le en anglais. Mais restez simple surtout.

Vous aimez les séries télé américaine ? Désormais lisez les résumé en anglais. Regarder le plus possible ces séries en version originale avec sous titre français et vous verrez que vous retiendrez des expressions et d’autre façon de parler.

Conclusion

Au fur et à mesure, les expressions, le vocabulaire entre autre vous restera en mémoire et vous vous étonnerez vous même. Bien sur cela n’arrivera pas du jour au lendemain mais continuer comme ça et ça viendra.

Dans tous les cas, ne vous inquiétez pas, tout mes articles sur ce blog seront toujours en français !

Je conclurai donc en disant que OUI, l’anglais est nécessaire et que NON, ce n’est pas aussi compliqué que vous le pensez. Et je vous montrerai que j’ai raison dans ce les prochains articles sur ce sujet !

Image d’article de stumayhew